インタビュー 30
陶芸 井上萬二

白磁を極めて、なお新境地に挑み続ける

人間国宝に認定された井上萬二さんは、90歳になった今も新しい表現にチャレンジしている。教え子はすでに500人。アメリカでも150人を超え、日本の伝統工芸を海外に広めた第一人者である。

（聞き手上野由美子）

好奇心とチャレンジ精神

――90歳の今も新しい作品を出し続けていますが、井上先生の作品作りの源はなんですか。

　好奇心です。百貨店や工芸会の展覧会、講演などで全国を回る際、必ずその土地の護国神社に行きます。その地方で有名な人の碑文を読み、名文があればノートに控え、神社仏閣を巡っては自分の美意識を高めます。今でも年に数回は必ず海外に行き、異なった文化からもアイデアを取り入れます。

　銀座和光での個展が今年で43回目を迎えましたが、同じ会場で毎年続けるというのは非常に難しいんです。一度出した作品ではお客さんが楽しめませんから、毎年新しいものを提供しないといけない。チャレンジ精神とクリエイティブ精神を持って、挑戦し続けています。

大成するのは努力し続ける人

――陶芸の道を志したきっかけは。

　父親が有田の窯元でしたが、自分がやろうとは考えませんでした。私の少年時代は大東亜戦争の最中。軍事工場では勉強できないので、早く軍の学校で勉強したいと考え、15歳の時に海軍飛行予科練習生になりました。足掛け２年、過酷な訓練の日々でしたが、毎日勉強できるというのは喜びでした。一人前のパイロットになる前に終戦を迎え、故郷に帰ると、親に窯元を継いでほしいと言われました。

　しかし、やるなら徹底してやりたいと修練に出て、７年間無給でひたすら修練を積みました。戦後の世の中が少し豊かになってきて、みんなは遊んでいる。修行をいつまで続けるか悩んでいました。しかし、父親の勧めで入った柿右衛門窯で、ろくろ師として名高い初代奥川忠右衛門の技に出合い、この人に近付きたいと思いました。そこでも３年間下積みして、10年経つと十二分に飯を食える腕になりました。

――でも、すぐには独立されなかったのですよね。

　そこで満足せず、さらに技術を磨きたいと思い、有田にある佐賀県立窯業試験場という焼き物の研究機関に入りました。制作のノルマはなく、陶土や釉薬の研究、築炉、焼成などを徹底的に研究しながら、13年間勤めました。

　窯業試験場では、有田焼の後継者育成のために研修生制度を作り、そこから500名ほどが巣立ち、日本中で活躍しています。努力していれば誰の人生においても運は必ずやって来ます。運が来たらさらに努力しなければならない。育成をして感じたのは、不器用ではダメだけど器用過ぎてもダメということ。器用な人は努力が足りません。普通の人で努力する人が大成します。

アメリカにも弟子がたくさん

――アメリカの大学でも指導されていますが。

　1969年にアメリカのペンシルバニア大学から、伝統工芸の指導依頼がありました。期間は半年。月給が2,000ドル（当時１ドル360円だったので72万円）ももらえるのと、何よりアメリカへ行ける喜びがありました。いちばんの難関は、通訳がいないこと。渡米する前の３カ月間、単語を一日に５、６個ずつ覚えました。自分で計画を立て、日本から一人で３回も飛行機を乗り継ぎ、迷わずペンシルバニアにたどり着いたのは、今考えても我ながら感心します。

　講義はもちろん英語です。毎夕、宿舎のベッドに寝転んで明日教える学科の言葉を勉強し、発音などは学生たちに教わりました。アメリカの学生は、日本人ではありえませんが、行儀悪くテーブルに腰かけて授業を受けたりするので、心を広く持って接しなくてはなりませんでした。しかし、教えてもらうことが当たり前のマンネリ化した日本の学生と違って、彼らは本当に熱心に学んでくれました。そうした人間同士の付き合いも含め、充実した毎日でした。アメリカには今でも150人以上の弟子がおり、30回は渡米しています。

　日本へ戻って１年間公務員として働いて、ある方から資金援助を受けて窯を開きました。徹底的に技を磨いてから独立したので、焼き物の世界では何も恐くないという気持ちでした。

――陶磁器以外の日本の伝統文化を発信されてますね。

　５カ国で２年に一回、日本伝統工芸の展覧会をしています。最初のハンガリーでは、280名もの日本人を連れて訪れました。そのうち180人は女性だったので、日本の良さを伝えるために着物でハンガリーの石畳の上を歩いてもらいました。茶道や華道の先生、和楽器の奏者たちもおり、それぞれが技術を披露しました。

　ニューメキシコ州の大学でも指導していますが、必ず20～30人の観光者を連れて行き、日本人とアメリカ側の先生や生徒たちを集めて宴会をするという、楽しい交流も毎年やっています。

聞き手：上野由美子
古代オリエントガラス研究家。UCL（ユニヴァーシティ・カレッジ・ロンドン）考古学研究所在籍中。2012年国際日本伝統工芸振興会の評議員。ARTP副団長として王家の谷発掘プロジェクトに参加（1999年〜2002年）。聖心女子大学卒業論文『ペルシアガラスにおける円形切子装飾に関する考察』、修士論文『紀元前2000年紀に於けるコア・ガラス容器製作の線紋装飾に関する考察』ほか、執筆・著書多数。

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インタビュー 29
木工芸 須田賢司

伝統が行き着く先のモダンを目指して

祖父の代から３代続いてご活躍されている須田賢司さん。作品作りのために工房を東京から群馬県に移し、木工から漆、螺鈿（らでん）、金工まで、繊細な技術で独自の作風を磨き上げる。2014年に重要無形文化財（木工芸）保持者に認定された。

（聞き手上野由美子）

木の仕事場として最適な地へ

――なぜ東京から群馬県の甘楽町に移ったのですか。

　この仕事は、日常から材料となる多種多様な木を手元に置いて、じっくり見ながら考えることが大切なのです。そうしたことが自然にできる広い場所であること、また仕事場として乾燥した環境にあること。その２つの条件が満たされていたのが甘楽町でした。

――親の仕事を見て自然にこの道に入ったのですか。

　そうですね。幼いころは父の仕事場が私にとって唯一の遊び場でした。仕事をする父の指先を見ながら、木の端材を電車に見立てて遊ぶなど、日々の暮らしの中でその生き方を身に着けていったような気がします。祖父は、何か手に職をつけようと偶然木工芸に出逢い、父はその長男として後を継ぐのが当然だったのでしょう。３代目の私は、後を継げとは言われなかったけれども、自らこの道を選んだ、言わば必然だったのかなと、最近は感じています。

祖父や父の生き方を工房の名に込める

――お父様やお祖父様から影響を受けたことは。

　祖父・桑月は宮大工から出発し、指物師に転じた人でした。その正統的な木工技術を受け継いだ父・桑翠は戦前、好事家たちのために調度品を作っていたのですが、戦後は彼ら富裕層の没落により仕事が激減しました。元々、学究肌だった父は、職人に甘んじることなく、木工藝家としての道を歩み始め、正倉院以来、連綿と続く正統的な木工藝を息子である私に伝えてくれました。

　私は常々、「工芸＝クラフトではない」と話すのです。作品にしても家具や調度品などの実用品に留まらず、むしろ鑑賞することに重きを置き、それを手にした人が心を落ち着かせることができる。日常の道具に機能以上の美を見いだし楽しめる。それこそが日本の工藝であると考えます。長い過去の伝統を背負いながらその結果としての最先端。トレンドではなくモダン。それが私の目指す木工藝の境地なのです。

　その思いは『清雅』の名に込められています。『清』は木工藝一筋だった父のピュアな生き方として自らの胸に刻み、『雅』は季節ごとに軸を替え、花を生け、茶を嗜む父の後ろ姿を、雅味のある生き方として捉えました。この２つの精神を作品に反映していくことが、今の私の創作活動の礎となっています。

大切な木から引き出す瑞々しい表情

――どの作品も木目が素敵ですね。

　とりわけ小箪笥のような小さいものは、木目が作品全体の表情を決定づけます。大好きな漢詩から名付けた「水光接天」は、銘木店の片隅で埃をかぶっていた栃の木との出会いからでした。試しに少し削ってみると、まるで月に輝く水面のような杢が現れたのです。さらに黒漆で仕上げをすると、まさに輝く水面が現れました。稜線には直径１㎜程の白い螺鈿を埋めた漆黒の柿材をあしらい全体を引き締めました。この種の箪笥に不可欠な蝶番や鍵のような銀金具は、杢と競合しないように努めてシンプルに仕上げました。このように自作の金具類をつけていることも、私の作品の大きな特徴です。

　「陸離」では、指物のセオリーから逸脱した試みをしています。中央の金具の左右で材の木目の向きを変えて配し、各面の光沢が見る向きによって違ってくるという効果が得られました。木目に沿った縦方向と横方向では木の収縮率が違うため仕事としては難しいのですが、経験上この楓は寸法安定性に優れていることを知っていたのであえてトライしました。

――材料の木は何年くらい乾燥させるのですか。

　最低10年以上ですね。単に乾かすというよりも、ワインを熟成させるような感覚です。木を切るのは11月から２月くらいの、木が冬眠状態にある時期が良いとされています。

――技術の継承はどうされていますか。

　そういう意味でも、この清雅はあるのです。今年の１月から、40〜50代の木工藝家５名と勉強会を始めました。彼らと、木工藝の普及も兼ねて、日本橋の三越でグループ展を開催することになっています。　清雅のギャラリー公開は、土・日の10時から16時です。週末に気軽に立ち寄っていただけたらうれしいです。

聞き手：上野由美子
古代オリエントガラス研究家。UCL（ユニヴァーシティ・カレッジ・ロンドン）考古学研究所在籍中。2012年国際日本伝統工芸振興会の評議員。ARTP副団長として王家の谷発掘プロジェクトに参加（1999年〜2002年）。聖心女子大学卒業論文『ペルシアガラスにおける円形切子装飾に関する考察』、修士論文『紀元前2000年紀に於けるコア・ガラス容器製作の線紋装飾に関する考察』ほか、執筆・著書多数。

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インタビュー 28
ガラス（パート・ド・ヴェール）　石田知史

西洋の技法と和の美が生み出す鋳込み硝子

パート・ド・ヴェール（鋳込み硝子）の起源は古代メソポタミアにまで遡る。その後、一端衰退したが、19世紀末のアール・ヌーボー期のフランスで蘇った。石田知史（さとし）氏のご一家は、親子で「和のパート・ド・ヴェール」を追求している。

（聞き手上野由美子）

まずはご両親が手探りで試作を重ねる

――ご両親がパート・ド・ヴェールを始めたのですね。

　父・亘（わたる）が京都の室町や西陣で染織図案家として活躍していた時に、アール・ヌーボーの流れをひく作家・アルメリック・ワルター氏の作品に出会ったのが始まりです。その裸婦像の滑らかなガラスの質感に、父は感動したそうです。1985年から、父と母・征希（せき）によるパート・ド・ヴェールの研究が開始されます。実はアール・ヌーボー期に蘇った際には、作家が技術を秘匿したため、再び途絶えてしまったのです。確固たる技法が伝承されているわけではなく、技術的に不明な点が多くありました。

　自宅にガラス工房を構え、父はアール・ヌーボー期に作られたランプを真似し、茶道をやっていた母は茶碗作りから始めましたが、最初は全く手探りだったそうです。アール・ヌーボー期では色調が暗く、厚くて重量感のある置物や器が多かったのですが、私の両親は、明るい白を基調とした、新しいパート・ド・ヴェールの制作に成功しました。1990年代になると伝統工芸展で受賞するなど、現在の作品の素地ができました。　

外から見つめて気づいた日本独自の美意識

――知史さん独自の味わいはどのようにして。

　両親の仕事を見ながら成長した私も自然とガラスの道に進んだわけですが、ガラス作品をアートとして捉えるか、工芸として捉えるか、その狭間で悩んでいました。そこで25〜26歳の頃、海外放浪の旅に出たのです。アジア、中近東、中南米、アメリカへと美術研究の旅を続けました。不思議なもので、各国の民族ごとに作られたものに触れて、外から日本を見つめると、かつて見た正倉院御物や漆器、陶器など日本の工芸品の美しさを自然に受け入れることができたのです。日本人が昔からずっと作ってきた伝統工芸に、日本人気質とか日本独自の美意識とかを感じました。この時の気づきが本格的に工芸作家を目指す原点となります。

　京都という土地柄も影響しています。四季の自然が残り、時間もゆるやかで、自分と向き合えるのです。繊細なモノ作りが多く根付いていて、自分も「和のパート・ド・ヴェール」を目指し、情緒や品格といった日本伝統の美的エッセンスを意識しながら、静謐なるものの持つ美しさを探求していこうと思っています。

多くの工程があり、完成までに時間がかかる

――制作工程のポイントを教えてください。

　徐冷後に丁寧に型を壊して本体を取り出し、磨いて仕上げるのですが、金はその後に着色し、もう一度600℃くらいで焼成するんです。学校でガラスを学んでいた頃、吹きガラスなら１日に何個でもできるので、１つの作品に何か月もかかるパート・ド・ヴェールとのギャップに悩んだこともあります。

――江里朋子さんとのコラボが何点かありますね。

　初めてなのですが、パート・ド・ヴェールの愛らしさと截金の極細の線や模様が調和して、「一人の作品のように見える」と来場者からは言われます。どちらも古代に生まれて世界に広がった技術で、そこに日本的美意識を追究しているという共通点があります。

――古代ガラスを参考にされることもありますか。

　各国の伝統的な紋様を取り入れて世界観を出すことはあります。青ガラスのアメンホテプ３世とされる顔の一部を見たときは、参考というよりも、神がかったような人智を超えた凄みを感じましたね。

聞き手：上野由美子（写真左）
古代オリエントガラス研究家。UCL（ユニヴァーシティ・カレッジ・ロンドン）考古学研究所在籍中。2012年国際日本伝統工芸振興会の評議員。ARTP副団長として王家の谷発掘プロジェクトに参加（1999年〜2002年）。聖心女子大学卒業論文『ペルシアガラスにおける円形切子装飾に関する考察』、修士論文『紀元前2000年紀に於けるコア・ガラス容器製作の線紋装飾に関する考察』ほか、執筆・著書多数。

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インタビュー 27
七宝 吉村芙子

七宝に新たな表現を生み出す数々の独自技術

吉村芙子（よしむらようこ）氏は師につかず、独学で七宝に取り組んだ。染織、陶芸、ガラスなど他分野の技法を積極的に取り入れる一方で、古い泥七宝の技法も活かし、自由で斬新な七宝表現を生み出している。

（聞き手上野由美子）

誕生日の贈り物に心を動かされ七宝制作へ

――独学だったそうですが、七宝との出会いは。

　中学生の時、父から誕生日に七宝焼の指輪をプレゼントされたのです。とにかく綺麗で、誰がどうやってこんな美しいものを作っているのだろうかと、七宝への好奇心が沸き起こったのです。

　数年後、藝大に進んだ友人が授業で作った七宝焼を持っていたので、とっ捕まえて根掘り葉掘り聞いて、まずは道具と素材を揃えることから始めました。専門店でバーナー、ふいごなどを購入。釉薬の材料は父が輸入してくれて、乳鉢ですり潰して粉状にしました。とにかく何度も何度も焼いて、何度も何度も失敗しました。先生がいなかったので毎日様々な方法を試みました。この時期の姿勢が、染織や陶芸、ガラス工芸など他の分野の技法を取り入れた私独自の作風につながったと思います。

――そうした独自技術は作品にどのように生かされていますか。

　美術評論家や七宝愛好家からも「どうやったの？」とよく聞かれます。通常は有線七宝といって、0.2〜1.5ミリ幅の帯状の銀を立てて貼って、囲まれたエリアに単色の釉薬を盛っていきます。私が開発した友禅七宝は、調合した中間色の釉薬を用い、下地に筆で直接絵柄を描いて、友禅染めや水墨画のような濃淡を出します。有線でも私の作品では、花びらなど数千ピースの銀線のパーツを用いることもあります。一つひとつ曲げてピンセットで貼っていくので根気が要ります。

　泥七宝は光沢を押さえた釉薬で、落ち着いた表情を出しています。釉薬の質が悪かった昔の作風を、逆に味わいとして活かしました。他にも、わざと生焼けにしたり、銀粘土や箔を使ってみたり、最近は金の雲母とベネチアガラスを用いてみたりと、遊びながら実験しています。

パリ市長に手紙を出して実現したお城での展覧会

――特に海外で評価され活躍されていますね。

　七宝制作が軌道に乗ってきた1970年代に、パリやリモージュに行って、作品展やお店をたくさん見ていたのですが、当時パリ市長だった、後の大統領シラク氏に手紙を書いたのです。そうしたらブローニュの森のお城で展覧会ができることになり、大盛況でした。それがきっかけで北京にも呼ばれ、100人の作家に声をかけて企画。その後も、カナダ、アルゼンチン、アメリカなどに呼ばれ、出展や個展をやりました。今年４月には台湾で、日本、アメリカ、中国を加えた４か国の作家展を開催する予定で、審査員を依頼されています。

人とのつながりで磨く高いオリジナリティー

――七宝とは思えない作風の数々に引き込まれます。

　リモージュに出すときに言われたのは、「日本人にしか作れないものを出してほしい」ということでした。国内でも三越や和光で個展をさせていただいて、「なぜ私に声をかけてくださるんですか」と聞いたら、「他の人がやってないことをやっているからですよ」と言われました。私の場合は、先生につかないで自由にやったことが良かったのでしょう。

　先生に教わる代わりに、人とのつながりでたくさんのことを学びました。私の作品を使ってくださって、展覧会を15年支援してくれているお客様がいますが、工芸に詳しくいろんな質問をされます。常に勉強しておかなくてはいけないし、人に伝える力もつきました。並河靖之さんの作品の復元を頼まれたときも、特殊なカメラで並河さんの作品を見たらすごいんです。当時は電気炉がなく炭火で焼成していた頃なのに、銀線は細く0.3ミリくらいで、細かい絵柄のところに100色くらい使っていました。仕事からも学んでいます。

――若い人の育成はどうされていますか。

　私の父はものづくりの道に進みたかったけど叶わなかったことから、私に対してすごく支援してくれました。今度は私が若い人を支援していかなければと思っています。私が理事長を務めている日本七宝会議は、2007年にＮＰＯ法人化して、主催する「国際七宝ジュエリーコンテスト」は今年で31回を数えます。若い人が、人とつながっていける機会を提供したいです。

聞き手：上野由美子
古代オリエントガラス研究家。UCL（ユニヴァーシティ・カレッジ・ロンドン）考古学研究所在籍中。2012年国際日本伝統工芸振興会の評議員。ARTP副団長として王家の谷発掘プロジェクトに参加（1999年〜2002年）。聖心女子大学卒業論文『ペルシアガラスにおける円形切子装飾に関する考察』、修士論文『紀元前2000年紀に於けるコア・ガラス容器製作の線紋装飾に関する考察』ほか、執筆・著書多数。

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インタビュー 26
漆芸（螺鈿（らでん））　中條伊穗理氏

失敗を恐れず、伸びやかさを大切にして表現したい

螺鈿は、奈良時代に遣唐使が中国から持ち帰ったといわれ、長い歴史を誇る伝統工芸である。その螺鈿に身近な動植物などのモチーフで新風を吹き込んでいるのが、中條伊穗理（なかじょういおり）さんだ。

（聞き手上野由美子）

回り道をした分、楽しくて仕方がなかった漆の授業

――漆芸・螺鈿に興味を持ったきっかけは何ですか。

　小学校の卒業文集に、意味が分かっていたのかは思い出せないのですが、「十年後は工芸作家になっている」と書いています。小さい頃から生き物が大好きで、毎日虫や魚を追っ掛けているような子供でした。作品に動植物が多いのはその影響です。

　実際に漆芸に決めたのは、藝大受験中に、音丸耕堂先生と松田権六先生の回顧展を観て、「漆っていいなぁ」と思ったからです。結局藝大には行けず、輪島漆芸技術研修所に行くことになりましたが、4年足踏みをした反動もあり、漆の授業は楽しくて楽しくて。顔や体がひどくかぶれても平気なくらい楽しかったです。研修所で6年間学び、95年に蒔絵科を卒業、文化庁芸術家国内研修員に選ばれたのを機に、奈良の北村昭斎先生に師事しました。螺鈿はそれからです。先生は、重要無形文化財（螺鈿）保持者で、春日大社や正倉院の宝物などの修復もされています。

──中條さんの作品にも正倉院の流れを感じます。

　そうですね。初めは正倉院の宝物を古臭いと思っていたのですが、「これを作った当時の人が、日常生活の中で見ていたそのままを描いているんだ。今私が見ている世界と同じなんだ」と、ストンと心にはまった時から、宝物の鳥や動物が生き生きと鳴いたり走り始めたのです。それから「私もこんな作品を作りたい」と思いました。いざ作ろうとすると画力も技術もまだまだで、悔しいばかりですが。

いろいろなものを見て、幸せな時間を形にする

──ユニークなモチーフの源泉は何ですか。

　身近な好きなもの、たとえば「ロンド」のモチーフは、足の曲ったヒナ鳥のピーちゃんです。うちには5か月しかいませんでしたが、心を通わせ合った幸せな時間を形にしました。制作中は、ずっとピーちゃんと会う事ができますから。「游」は、子供の頃に川の中をのぞいて「いた!!」と、手にした網をギュッと握り直す時のワクワクした私の気持ちを形にしたものです。薔薇は正倉院の五弦琵琶に描かれている、私のあこがれのモチーフ。私の中にも取り入れたくて、庭で育てて毎日見ています。

　自然の中だけでなく、いろいろなものを見て、感じる機会も増やしています。「フランス人間国宝展」や山梨県のアフリカンアートミュージアムにも行って、鑑賞しました。「チワラ」や「カメレオン」はアフリカンアートがヒントです。伝統工芸ではないのではと言われることもありますが。

仕上げのときは、まるで恋をしているような状態に

――螺鈿の材料や制作工程を教えてください。

　貝は、アワビ、夜光貝、白蝶貝、アコヤ貝など。生産地によって色合いや雰囲気が異なります。厚貝は貝を研磨して切り出すもので厚さ1～2mm、乳白色に真珠様の輝きが特長です。薄貝は0.2mm程度、青やピンクの鮮やかな輝きが特長です。私の作品は主に厚貝を用いますが、葉っぱなどの細かなものまで、下絵を厚貝の使いたい場所に貼って、一片一片糸ノコで切り出します。

　器の表面が平面の場合は、貝を貼りその厚み分、漆と地の粉を混ぜたもので埋めます。曲面の場合は、漆の表面を絵柄と同じ形に彫り込んでから貝片を嵌め込みます。どちらも、塗りと研ぎを何度も繰り返します。

──中條さんの思いが作品から伝わってきますね。

　若いころはカッコイイものを作りたいと力んだり、あと一歩で完成という時に緊張したりして、その硬さが作品に現れていましたが、最近は失敗をあまり怖がらず、伸びやかさを大事にしています。

　生き物をモチーフにした時は、仕上げの段階で、恋をしているように、早くでき上がった作品に会いたくてドキドキワクワクしてしまいます。感情が昂って涙が出ることもあります。思いを込めると、不思議とその熱は伝わってくれますね。

　この春、漆芸展を共催した夫の築地久弥さんは、曲面を活かした造形と塗りや蒔絵が得意分野。いつか共同制作の作品もやってみたいという。

聞き手：上野由美子
古代オリエントガラス研究家。UCL（ユニヴァーシティ・カレッジ・ロンドン）考古学研究所在籍中。2012年国際日本伝統工芸振興会の評議員。ARTP副団長として王家の谷発掘プロジェクトに参加（1999年〜2002年）。聖心女子大学卒業論文『ペルシアガラスにおける円形切子装飾に関する考察』、修士論文『紀元前2000年紀に於けるコア・ガラス容器製作の線紋装飾に関する考察』ほか、執筆・著書多数。

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インタビュー 25
金工 奥村公規氏

工夫を重ね、おおらかな表現を目指していく

見た目は漆の木箱のようだが、触ると金属とわかる奥村公規さんの作品。鍛金や象嵌（ぞうがん）の技術を高めつつ、日本人が金属とどう向き合ってきたのか、古の工人に思いを馳せながら作る。

（聞き手上野由美子）

金工への興味は刀の鐔（つば）から

――もともと金工に興味があったのですか。

　最初は刀剣に興味を持ち、中学生の頃から友達と一緒に刀屋を巡ったり、小遣いをためて買ったりしていました。そのうち本物の素材が欲しくなって、刀の鐔を集めていました。それが金工に興味を持った始まりです。

　鐔はお洒落なんですよ。刀を差した時にどこから見られているかということをきちんと考えてデザインされている。模様を入れる位置も計算しつくされています。表面の地肌も単調にならないよう、鉄の肌合いや色合いを楽しめるように配慮されているのです。

――日本の金工技術の発達は、刀装や仏教美術と密接に関係していますね。

　鋳金・鍛金・彫金の技法は弥生時代に大陸から日本に伝わり、銅鏡、鉄剣、甲冑などの製造に使用されました。仏教伝来に伴い、仏教美術品の制作に広く用いられ、奈良時代に入ると、大仏や仏像に生かされます。刀装金工は室町の頃が最高だとよく言われるのですが、私はもっと古い頃から良い作品があるじゃないかと思っています。

労を惜しまない熱意と努力で国宝の復元も

――技術はどちらで磨かれたのですか？

　私が美大に行ってた頃は金工でもジュエリーが人気で、学校では伝統技術をあまり学べなかったんです。近くの先生のところに週１回通ったり、古いものを壊しながらいじったり、ほとんど自己流です。最後の錆の仕上げの方法がわからなかったとき、伝統工芸展に行って鉄の良い色を出してる作品を見つけて、図録で先生の住所を見て訪ねて行ったこともあります。その時は快く教えてくださいました。文化財の修理などもほんとうに勉強になりますね。過去の人が金属とどのように向き合ってきたかを実感できる良い機会になっています。

――具体的な例を教えていただけますか。

　七支刀（しちしとう）と呼ばれる国宝の復元に関わりました。４世紀に百済から渡ってきて、奈良県の石上（いそのかみ）神宮の境内に埋まっていたもので、考古学界では何が書いてあるのか大騒ぎになった。左右に三本ずつ枝を広げた特異な形をしていて、最初は刀鍛冶が鍛造で作ろうと試みたけどうまくいかない。折れている刀身の様子やその断面などから、溶かした金属を型に流し込んで作った鋳物ではと言う人が出て、鋳造で復元することになったのです。鋳型と金属の収縮率の差で折れてしまうなど失敗が続き、４度目の実験でやっと成功しました。

　その刀身に象嵌を入れたのですが、鋳造は硬くて象嵌するのは難しく、一昼夜熱処理して表面を柔らかくすることで象嵌できるようになる。当時の人はそうした難しい技術を持っていたわけです。

日本のすぐれた金工技術を後世に伝えたい

――奥村さんの作品は、漆器のような質感から石のような地肌まで、金属とは思えない不思議な感じです。

　一見漆器のような鉄地象嵌小匣「離れ」は、鉄のサビ色に椿が映えるように、周囲を金の象嵌で引き締めています。箱のデザインはなかなか難しいのですが、コーナーをデザインとして生かしてみました。このように金属を磨き上げると漆のような質感になるのですが、それ以外にも鋳物のような肌合いを生かしたいというのも長年のテーマでした。まず素材の段階で荒らしをほどこしザラザラにするんですね。そして色上げ前に金属を酸で洗う際にも工夫をします。四分一（しぶいち）という合金は、銅と銀の配合によってグレーの濃淡を変えるのですが、酸に入れると表面の銅だけ溶けて銀色になってしまうので、炭で研いでピンク色にしてから色上げする。その際、凸凹があると凹んだところは研いでも残るので、色が２色混ざった朧（おぼろ）げな表現もできるのです。

――これからはどういう展開を考えていますか。

　かつては男性のお洒落にと、様々なオーダーがありましたが、近年は既製品でもすぐれた品物が増え、オーダーをする人が少なくなって来たのは残念です。しかし、日本の金工技術はとてもすぐれているので、それを後世に伝える仕事に関わっていきたいですね。

　昔の人の作品を見ると、幕末・明治になると完成度が上がってきちっとしていますが、もっと時代を遡ると、おおらかでなんともいえない良さがあるんですね。稚拙と言われることもあるけど、私はそう思いません。その良さは何なのか、永遠のテーマなんです。今後の作品にもそうした良さを表現できればと思っています。

聞き手：上野由美子
古代オリエントガラス研究家。UCL（ユニヴァーシティ・カレッジ・ロンドン）考古学研究所在籍中。2012年国際日本伝統工芸振興会の評議員。ARTP副団長として王家の谷発掘プロジェクトに参加（1999年〜2002年）。聖心女子大学卒業論文『ペルシアガラスにおける円形切子装飾に関する考察』、修士論文『紀元前2000年紀に於けるコア・ガラス容器製作の線紋装飾に関する考察』ほか、執筆・著書多数。

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インタビュー 24
日本刺繍と仕覆　竹花万貴氏

虫や鳥の帯留で、着物に独自の物語を生み出す

前編での彫金帯留に続き、後編では竹花氏の日本刺繍と古布で作られた仕覆（しふく＝茶の道具や器などを包む布製の袋）をご紹介する。古い帯や着物が、竹花氏の技術と感性により、生き生きとよみがえる。和装に新たな楽しみが加わる瞬間だ。

（聞き手上野由美子）

好きな布を見ながら物語を考えるのが楽しい

――私が着させていただいたのは、「草がくれ」の着物・帯・帯留。前編でも紹介したものですね。

　そうですね。虫の行列が月に向かって貢物を運んでいる秋の豊穣祭のイメージ。途中すすき（帯）の中にかまきり（帯留）が隠れている様子です。

　私が着ているのは、なでしこと擬宝珠（ぎぼうし）の着物に、萩の帯、お太鼓にはなでしこと虫籠を刺繍してあります。帯留は、作品集では蝶をコーディネートしていますが、今日はより秋らしくキリギリスです。

　佐藤さんが着ているのは、とんぼの絵柄の着物に、帯はぶどう柄、帯留はりすです。不思議な取り合わせに思うかもしれませんが、ぶどうは武道に通じるとして、「武道を律す」という語呂で、昔から武人に好まれた図柄なんです。蒔絵や彫り物にもよく登場します。

――着物や帯はアンティークを用いられていますが、入手されるのは大変ではないですか。

　もともと骨董が好きだったこともあり、以前はよく旅行先で骨董店を覗いて探したりしていました。でも、結局良いものは京都や東京の骨董店に集まってくるんです。あとでご紹介する仕覆に用いる布もそうですが、好きな布に出会うと買い置きしておきます。夜な夜な布を見ながら、ここに何を刺繍してとか、この柄をどう見せてとか、妄想というか私なりの物語を創造して楽しんでいます。

仕覆は、お道具と布地の個性を調和させる

――自分一人で絵柄を考えて、刺繍をして、彫金もしてというのは大変だと思うのですが。

　帯にひと針ひと針縫っていく刺繍も、彫金でコツコツと帯留を作るのも、たんたんと一人で何か作っているのが楽しくてしょうがなくて、気がついたら夜が更けていることもよくあります。

　最近は、特に季節感を意識して作っています。一幅の画のような帯が理想です。雪の結晶を刺繍した着物、それに合わせた帯。深深（しんしん）と降り積もる雪の中に佇（たたず）む一羽の白鷺図が、先日完成しました。できたばかりで写真撮影をしておらず、ここにご紹介できなくて残念です。

――それでは着物を着たところで、仕覆を見せていただきます。どれも皆かわいいですね。

　うれしいです。お道具や更紗・能衣装裂などの生まれた場所や時代、布地の柄などからドラマを想像しながら、この子にどんな服を着せてあげようかという感じで、トータルコーディネートするのが面白いのです。最近は、「自分のお道具用に作りたいので教えてほしい」という人もいるんですよ。仕覆は縫うところは少ないですから、手順とコツを学べば、あとはセンスだと思います。

　ただ、きちんとした物を作るのは大変です。まず採寸をして、和紙で底と本体の型紙を作る。底は、表裏ともに何枚かの和紙を貼り、それぞれの布を貼る。裏布で仮縫いし、次に表を縫う。表と裏の底同士を貼り、合体する。表の内側に綿を入れる。つがり糸を撚（よ）り、組み紐で緒を作るなど、地味な作業の結果です。

区報で見つけた日本刺繍の先生

――刺繍と仕覆はどちらで習われたのですか。

　刺繍はいつか習いたいと思いながら、なかなか出会いがありませんでした。区報で知った「職人が教える日本刺繍」という講座を体験したところ、先生の技術の素晴らしさに「やっと出会った！」と感じ、即入門しました。10年以上、今も習っています。

　仕覆は何年か教室に通い、最終的に職人の先生に行き着きました。残念ながら仕覆の先生は亡くなられ、今は思い出しながら自習しています。

ジャポニズムシリーズの仕覆３点。
布地は、(左)19世紀イラン、(右上)19世紀インド、(右下)19世紀フランスのもの。
仕覆に包まれているのは、エミール・ガレ、ルネ・ラリックなどのガラス器。

――彫金帯留のご指導はされないのですか。

　スペースの問題、ガスバーナーやその他設備の問題、道具の鏨（たがね）を自作するところからしなければならないので、現状では難しいと思います。

聞き手：上野由美子
古代オリエントガラス研究家。UCL（ユニヴァーシティ・カレッジ・ロンドン）考古学研究所在籍中。2012年国際日本伝統工芸振興会の評議員。ARTP副団長として王家の谷発掘プロジェクトに参加（1999年〜2002年）。聖心女子大学卒業論文『ペルシアガラスにおける円形切子装飾に関する考察』、修士論文『紀元前2000年紀に於けるコア・ガラス容器製作の線紋装飾に関する考察』ほか、執筆・著書多数。

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インタビュー 24
金工　竹花万貴氏

虫や鳥の帯留で、着物に独自の物語を生み出す

（聞き手上野由美子）

ジュエリーから彫金への転機となった師との出会い

――刺繍帯と合わせた彫金帯留が竹花さんの特徴ですが、この方向に進んだきっかけは何でしたか。

――そして、師との出会いもあったのですね。

　はい。80年の「骨董ジュエリーの試み」に染色家の久保田一竹先生が来てくださり、亡くなられる2003年まで、先生の着物の装身具などの制作にたずさわりました。その間は先生の注文に応えるのが精一杯でした。

　もうひと方、81年から師事した浅井盛征先生により、伝統工芸の奥深さを学び、ジュエリーから彫金への転機となりました。

小さな生き物への感動を作品のモチーフに

――作品のモチーフはどのように決めるのですか。

　周囲の自然から思い浮かぶことが多いです。19世紀にヨーロッパでブームとなったジャポニズムは、単に日本的構図やモチーフに魅せられただけでなく、日本人独特の自然の捉え方に感動したと言われています。私もそう思います。特に清少納言の「枕草子」や和泉式部などの自然を捉えた世界が好きです。厳しい大自然の中で、ひそやかに息づく、か弱いけれど凛々しい小さな生き物たちに感動を覚えます。その感動の記憶から、直感的に作品のイメージが浮かんできます。

　小鳥のさえずりや虫の音、水や風の音、季節の移ろいを感じながら制作するようにしています。

――たしかに兜虫や蟷螂（かまきり）など、着物には珍しいですね。

　着物や帯はもともと花柄が多く、そのイメージに合わせると平板なものになってしまいます。わたし独自の物語を生み出すために、虫や鳥を素材にすることが多いです。「かまきり」は着物の柄が虫の行列でした。帯がすすき柄。虫が月に向かって行進しているイメージが浮かびました。それで、この辺にかまきりのような、ちょっと怪しいやつがいたらいいかなと。

多種多様な材料と工程で日本人独特の自然観を写す

――材料や作業工程を教えてください。

　彫金に使う金属素材は金、銀、赤銅、黒味銅、黄銅（真鍮）、四分一などです。四分一は金・銀・銅の合金で硬く、銀の配合比率が４分の１のため、こう呼ばれています。金属で出せる色は少ないのですが、グラデーションなども工夫して表現します。見る方の想像力にも助けられています。

①デザインスケッチをしたら、②粘土で立体化して形に無理がないか確認します。加工は、③最初に地金の裏から丸味を出した後、④表側から鏨（たがね）を使って打出しを始めます。だいたい形ができたら、⑤色を変えたいところに別の金属をロウ付けし、⑥仕上がりの形に沿って切り取ります。⑦ヤスリで整えた後、細部の象嵌（ぞうがん）や、つくり、彫りを重ね、⑧入念に炭研ぎをして、薬剤を溶かした煮液で煮込み、色を出します。

聞き手：上野由美子
古代オリエントガラス研究家。UCL（ユニヴァーシティ・カレッジ・ロンドン）考古学研究所在籍中。2012年国際日本伝統工芸振興会の評議員。ARTP副団長として王家の谷発掘プロジェクトに参加（1999年〜2002年）。聖心女子大学卒業論文『ペルシアガラスにおける円形切子装飾に関する考察』、修士論文『紀元前2000年紀に於けるコア・ガラス容器製作の線紋装飾に関する考察』ほか、執筆・著書多数。

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インタビュー 23
元文化庁長官　近藤文化・外交研究所代表
近藤誠一氏

「文化を日本外交の中心に置くべき」を推進し続けて

外交官で文化庁長官も務めた近藤誠一氏は、一貫して「文化を日本外交の中心に置くべき」と言い続け、文化外交を推進してきた。文化庁長官を退官後は、近藤文化・外交研究所を設立。海外での幅広い人脈を活かして、日本の伝統工芸の認知度向上に尽力している。

（聞き手上野由美子）

視点を変えて日本工芸の魅力をアピールする

――日本の伝統工芸品は、伝承の危機にある分野もあります。海外で評価された作家が逆輸入的に日本でも人気が出る現象もあり、作家さんたちがその目を海外へ向けてはいますが、なかなか機会がないと聞きます。

　そうですね。安価な工業製品に押されて工芸品が売れない。後継者がいない。師匠だって将来に不安がある。道具や材料が手に入らなくなってきた。ずっと叫ばれている危機です。それならば海外へと考えるのは当然で、成功している人も少なくありません。ヨーロッパでも、パリのギメ東洋美術館、英国のセインズベリー日本藝術研究所、その所長で大英博物館のキュレーターでもあるニコル・クーリッジ・ルマニエール教授などは、日本の工芸を芸術として高く評価してくれています。

　しかし、厳しい話もあります。以前オランダのユトレヒトの美術展で、伝統工芸の出展を断られたことがあります。作家は人間国宝で、現地の日本大使館から外交ルートでの後押しもしましたが、それでも実現しませんでした。北斎などのアートは歓迎だがクラフトは要らないというのです。日本の工芸に対する評価はこの程度かと、危機感を持ちました。日本人には、器や道具にも用の美を感じる感性があります。独特の自然観や繊細な美意識、目に見えないスピリッツを味わう素晴らしいものです。でもその価値観をそのまま向こうに持っていっても通用しないと考えた方がよいと思います。

――どういったアプローチをしたら良いですか。

　タペストリーや磁器など、伝統工芸はヨーロッパにもあり、それらはアートの一つと認識されています。そして、絵画、彫刻、演劇、音楽など他のアートとの競争は激しく常に切磋琢磨し合っているのです。日本の工芸も現地のトレンドを見ているプロデューサーやデザイナーなどの視点を取り入れ、伝統工芸の高い技術や精神とコラボした、ＫＯＧＥＩとしての魅力をアピールした方が受け入れられやすいと感じます。

　そうしたきっかけにもなるよう、ギメ東洋美術館、ルーブル美術館、ニコル教授らとも手を組みながら、日本文化の理解浸透とマーケットの拡大につながる、起死回生の策を練っているところです。

フランス・アルザスに日本の伝統文化の拠点を

――計画中のアルザスの話を聞かせていただけますか。

　フランスのドイツ国境に近いアルザス地方のキンツハイムに、アルザス成城学園という日本人学校がありました（1986年〜2005年）。その寄宿舎が使われずに残っていて、私が外務省の文化交流部長をしていたときに、隣地にある欧州日本学研究所のクライン所長が、隣同士で施設を活かして、両国のために何かしたいというお話がありました。03年の11月だったと思います。アルザスは日本びいきで、閉校したとはいえ成城学園があった場所を単なる観光地にはしたくないとも。すぐできることとして、国際交流基金に頼んで、日本の幾つかの大学が夏休みに行ってセミナーをやっています。

　文化庁長官の時にクラインさんが再び日本に来てくれました。そのときは具体的じゃなかったのですが、昨年の夏に急に話が進んで、改築案を示したところ、土地は１ユーロで譲り受ける、そのかわり数年以内にしっかりしたものをつくる、ということで合意したところです。

――どういう事業をやっていくのですか。

　実はヨーロッパには、修復できないで眠っている日本の工芸品が大量にあるのです。それらの修復を請け負い、展示したりオークションに出したりする。コレクターも喜ぶし、マーケットの拡大にもつながります。修復にあたるのは日本から行く工芸作家です。高い技術を披露しつつ、ヨーロッパのアーティストやプロデューサー、デザイナーたちと交流できます。それと、これが肝心なのですが、修理するところを見せたり体験させたりするのです。

　音楽の話になりますが、フランスのナントで始まった世界最大級のクラシック音楽祭を、05年に日本に持ち込んだ「ラ・フォル・ジュルネ・オ・ジャポン」が毎年５月に開催され、一番面白いのがマスタークラスという公開レッスンなんです。100人くらいが参加して一流の音楽家が学生を指導する。１時間のうちに学生が技術やスピリッツを吸収して、みるみる上達していくんですよ。指揮者の小林研一郎さんも、楽曲を作り上げていく過程を一般に見せるイベント、「レクチャーコンサート 」を長野県で毎年やっています。最後に仕上がった演奏を聞くと感動的です。

作品のプロセスを感じることで心が豊かに

――私も当連載の取材ですっかり伝統工芸の虜（とりこ）になりました。体験や見学はファン拡大には大切ですね。

　私は「結果よりプロセス」とよく言うのですが、何でもネットで検索して知った気になるのと実体験は違います。日本の工芸品がどんなにすごいプロセスを経てできているのか、ヨーロッパの人にぜひ見てほしいですね。自分で焼いた器は愛着があって、ごはんがおいしいですよね。一流作家の作品はプロセスのすごさを感じられるからこそ、使うと心が豊かになるんです。
　アルザスは西ヨーロッパの真ん中で、スイスのバーゼルやドイツのフランクフルトと近く、パリへも２時間程度。日本の発信拠点としてはもってこいなんです。

――日本のアニメと美術館がコラボをした「ヱヴァンゲリヲンと日本刀展」が世界中で人気ですが。

　特にフランスでは、日本のアニメやヴォーカロイドの初音ミクなどがすごい人気ですね。日本に興味を抱く入り口としてはそれでも良いと思います。実際、新聞記事にも載っているように、いまヨーロッパで一番人気の日本の工芸は刀剣類なのです。最初はそれらの修理を中心に、持続可能な収益を確保したいと考えています。
　アルザスは西ヨーロッパの真ん中で、スイスのバーゼルやドイツのフランクフルトと近く、パリへも２時間程度。日本の発信拠点としてはもってこいです。

日欧をつなぐ芸術支援の場をつくっていきたい

――いつごろオープンする予定ですか。

　2020年を目指しています。その過程として、来年パリで開催する「ジャポニズム展」において、職人の修復技術を見せるなど、アルザスにつながる動きをしたいと思っています。「匠アールビバン・ドゥ・ジャポン」という一般社団法人を立ち上げ、修理の事業計画や、研修、ワークショップ、展示会、芸術家のサロンなどを盛り込んだ年間計画も作成しています。『生きた芸術』というコンセプトで、伝統文化のスピリットを感じ取り、意見を交わしながら先人からの知恵を学び、それらを現代に活かしていく契機となる場にしたいです。

　芸術文化が与える“ひらめき”の力は、経済や政策にも革新を生み出します。大きなスポンサーを動かすために、工芸関係者、学者、職人を多く抱える自治体などからの支援を取り付けているところです。
　ストラスブール大学の日本語学科の学生は200人もいるのですが、それを就職に活かせていません。うまく展開して彼らの就職にも寄与したいですし、第２段として、日本にもそういう施設をつくって相互交流をしたいと考えています。

聞き手：上野由美子
古代オリエントガラス研究家。UCL（ユニヴァーシティ・カレッジ・ロンドン）考古学研究所在籍中。2012年国際日本伝統工芸振興会の評議員。ARTP副団長として王家の谷発掘プロジェクトに参加（1999年〜2002年）。聖心女子大学卒業論文『ペルシアガラスにおける円形切子装飾に関する考察』、修士論文『紀元前2000年紀に於けるコア・ガラス容器製作の線紋装飾に関する考察』ほか、執筆・著書多数。

デュエール・ヌヴェル・ダルザス紙に掲載された記事は "L’Alsace" のサイトでご欄いただけます。
http://www.lalsace.fr/haut-rhin/2017/03/31/au-milieu-des-vignes-tout-l-art-du-japon

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